2026年3月28日，中国美术家协会艺委会届展系列“未来之阈 —— 首届实验艺术展览” 华中师范大学展区，在本校美术学院博雅美术馆正式开展。本次展览由中国美术家协会主办，中国文联美术艺术中心、中国美术家协会实验艺术委员会、湖北美术学院、华中师范大学联合承办。本展区以 “非线性共存：AI 时代的跨学科实验室图谱与创作物证” 为主题，集中呈现高校跨学科实验室在艺术与科技前沿领域的集体研究成果，与湖北美术学院展区聚焦的个体创造性探索形成深度呼应，双展区联动共同勾勒中国当代实验艺术的全新图景。
本展区以实验室团队作品为主，共展出17件作品，分为新媒体、装置两大类别。
当人工智能从算法工具演变为知识生产的基础设施，艺术创作的方式与场所也随之发生了改变。“非线性共存”展区聚焦于艺术家团体、中国高校与研究机构中正在生长的艺术实验室与跨学科实践。本展区关注的核心问题是：在大模型与智能系统深度介入创造性劳动的当下，实验室究竟是一种怎样的空间？它如何重塑艺术、工程与科学之间的知识边界？
本次展览将实验室的研究脉络与创作现场协同呈现，探讨宏观技术变迁如何在具体实验室的日常实践中转化为新的创作问题、协作模式与感知可能，以期让中国当下的艺术与科技探索在全球视野中获得更多的呈现与关注。
参展团队及参展作品 (四)
《珍珠鱼目》
中央美术学院
常渡科技艺术实验室
《在观看的同时》
清华大学美术学院
《一皴一世界｜身体图示》
湖南大学设计艺术学院
数字文化创意智能设计技术文化
和旅游部重点实验室
交互APP × 深度学习模型 × 视觉识别 × 实时数据
单位：中央美术学院、常渡科技艺术实验室
作者：刘骁、常金璇
艺术家访谈
受访者/刘骁
Q 本次参展作品《珍珠鱼目》中，机器视觉、数据计算与观众参与共同构成一个运行系统。这种跨学科整合是如何被组织起来的？
A 这个作品的跨学科整合不是从技术出发，而是围绕“鱼目混珠”这一问题展开，去思考判断如何发生、价值如何形成，主题和交互也在这个过程中逐步生成。合作并非简单分工，而是以共同问题为核心，将其拆解为不同学科的子问题，在持续沟通与对齐中推进：一方面把抽象想法转为可操作结构，另一方面再发展为可运行系统。最终形成一个整体：鱼眼与珍珠提供对比，机器视觉与数据计算使判断可执行，观众参与引入人的判断。技术不只是工具，而是直接参与判断的生成。
Q 《珍珠鱼目》在您的整体创作脉络中，是团队研究的阶段性节点、方法论的验证，还是个人线索的延伸？
▲作品《珍珠鱼目》展览现场
A 这个作品首先还是个人创作习惯上的一次延展，我的创作一直没有固定的风格或形式，而是从具体问题出发。因为自身首饰艺术背景，所以这次是借“珍珠”为对象，重新去看“珠宝玉石”的价值体系。但同时，它也可以看作是团队研究的一个阶段性节点。因此，这次合作本身也是一次方法上的尝试和验证——不是沿用既有路径，而是在问题驱动下重组工作方式。接下来，这种方式也会延续到后续研究中，继续探讨数智化技术在艺术表达以及设计服务中的可能性。
单位：清华大学美术学院
作者：吴佳芮、马欢笑、侯翔宇、齐子漩
材料：4K投影仪、音响设备、14英寸显示器、15英寸显示器
Q 《在观看的同时》引导观众去观看他人的“感知痕迹”，这种“观看的二重性”在创作构思中是如何设计的？它与直接的VR体验相比，又存在什么差异？
A 对于VR作为一种技术媒介的讨论由来已久，相关争论始终围绕其沉浸机制、感知方式及社会影响展开。近年来，“元宇宙”概念的兴起进一步放大了公众对VR的关注，但其作为一种体验形态，在应用路径与社会接受度上仍处于持续探索之中。
在托尼·贝内特（Tony Bennett）的研究中，展览本质上是一种通过空间组织与视觉关系建构起来的视觉机制，其核心在于“观看”与“被观看”。观众在观看展品的同时，也可以观看其他观众，并也被其他观众观看。但VR所代表的沉浸式体验，对对这一关系产生了根本改变：观众被带到一个封闭的虚拟环境，观看变成一种高度个体化的行为：观众不再被他人看到，也不再与他人共同观看同一对象，展览中“观看—被观看”的关系被切断。
基于这一认识，我们希望通过本作品，表达对VR技术条件下的感知方式进行审慎的观察与反思。我们并不让观众直接进入VR，而是让其观看“他人在VR中的感知痕迹”——包括身体的细微反应与情感变化。换言之，我们将原本不可见的沉浸体验转化为一个可以被他人观看的对象，形成一种“观看的二重性”， 让观看重新回到一种可以被他人理解的关系之中。
Q 在本次全国性展览所构建的实验室语境中，您如何理解这件作品在整体展览中的实践位置？
A 我们非常认同本次展览所提出的“实验室”这一语境。《在观看的同时》（While Watching）本质上是一件具有明确研究属性的作品，无论是问题来源、实验方法、技术路径，还是最终的呈现形式，都带有明确的实验性特征。非常感谢中国美术家协会为这类探索性作品提供了一个面向公众的展示平台。同时，我们也认为这件作品仍处在一个开放的发展阶段。
整个展览来看，不同作品分别回应了技术、生态、文化遗产等多个议题，我们的作品关注“人”的层面，具体来说，是技术条件下人的感知方式和体验状态。清华大学美术学院一贯重视“艺术与科学”的交叉发展，我们也正是站在这样的交叉点上，尝试用技术手段关注人的感知，并通过艺术的方式将其呈现出来，从而引发对技术发展路径的探讨。我们也希望未来能够继续发展，作为Z世代的青年学生，在行业与领域中持续学习、并持续保持对技术与社会关系的审慎思考。
人工智能×交互影像×中国画皴法×实时生成X可计算结构
单位：湖南大学设计艺术学院、数字文化创意智能设计技术文化和旅游部重点实验室
作者：彭嘉、胡哲、孙怡宁
Q 在《一皴一世界｜身体图示》中，微距影像采集、人工智能生成与交互系统构成多重技术支撑。在艺术创作、技术研发与理论研究之间，实验室是如何开展跨学科协作与分工的？
A 我们的协作始于一个核心的艺术追问：如何将中国山水画“皴法”所蕴含的、从自然观察到笔墨程式的生成逻辑，转译为一种可由身体数据实时驱动、由算法演绎的当代视觉语法？实验室由设计、艺术、计算机等不同专业成员构成，这为跨学科对话提供了天然土壤。在此项目中，理论、艺术与技术并非线性接力的工序，而是围绕同一观念展开。启动阶段，我们共同深掘“皴法”谱系及其“观物取象”的哲学内核，确立了将皮肤褶皱视为“身体山水”的转译框架，为整个工作奠定了观念基石。
随后，交互与计算机背景的成员承担“转译者”角色，将上述抽象观念编译为可运行系统：设计非侵入的微距影像采集流程，构建能理解并响应皴笔意趣的实时生成与交互框架，确保从身体感知到视觉诗意的流畅转化。整个过程以快速原型与用户体验测试为核心，形成紧密的创作闭环。技术实现的效果不断反哺艺术构想，现场交互的反馈则即时调校叙事焦点，最终使艺术观念、算法逻辑与现场体验融合为一个自洽的有机整体。
Q 在本次全国性展览所构建的实验室语境中，您如何定义该作品在当代科技艺术中的实践位置？
A 我们的实践不同于聚焦技术奇观或将技术仅作为工具的作品，我们选择将中国画“皴法”，这一深植于本土传统的创作方法本身，转化为算法可读写的生成语法。这不仅是形式的数字化，更是内在逻辑的转化，可视为一种“文化基因的计算性表达”。同时，作品通过将身体同时作为数据源、交互界面与意义载体，参与了对“创作主体”的当代反思。在系统中，我们设定规则，观众提供随机的“身体地貌”，AI执行皴法逻辑——作品是三者协同生成的、一次性的“事件”。这呼应了一种“分布式主体性”，既是实验室跨学科协作的缩影，也隐喻了AI时代人机共生的关系。
因此，它并非一件“关于AI”或“使用AI”的作品，而是一件尝试 “在AI中续写传统，在协作中重构创作” 的作品。它希望提供的不仅是一种新视觉体验，更是一个关于文化、技术与主体如何共存的微小实验。
本次实验艺术展共17件作品，从生态数据的诗意转译，到物质哲学的空间建构，再到社会介入的公共共创，这场依托“实验室语境”展开的艺术探索，正以前沿的科技媒介与深厚的人文底色，回应着时代的命题。本次展览面向公众开放，时间为3月28日至4月30日，地点为华中师范大学美术学院博雅美术馆，诚邀各界人士莅临观展。
华中师范大学展区：
华中师范大学美术学院博雅美术馆
地址：武汉市洪山区珞喻路152号华中师范大学10号楼
湖北美术学院展区：
湖北美术学院美术馆
地址：武汉市武昌区中山路374号湖北美术学院美术馆
展区空间示意图
WRITING/文字 陈心悦
PHOTO/图片 石灵 李子奇 李子健
EDITOR/编辑 金乐溪 卓靖芸
FINAL REVIEWER/审核 郑达
